The Importance of Getting Lost: Why Losing Yourself Matters in Nature and Landscape Photography
- 1 feb
- Tempo di lettura: 7 min
Over the past few years, my travels have taken me more and more often to remote, lesser-known places — wild, rugged regions like the Argentine Puna, Kazakhstan, and Kyrgyzstan. On each of these journeys, I was searching for something very specific: places with fewer visual “anchors,” far from those iconic landscape spots we’ve all seen thousands of times. It has almost become a personal philosophy, a conscious search for authenticity.
This way of seeing has been shaped not only by years spent working close to home, in areas with no “must‑shoot” viewpoints like the "Foreste Casentinesi National Park" where I spent my childhood, but also by a few books that have stayed with me over time. One of them is The Courage to Be Disliked, a book about living without constantly chasing other people’s approval and expectations. Not needing external recognition is the first real step toward being authentic — in life, but also in what we create. At some point I realised this doesn’t just apply to how we live, but also to how we photograph: if we are always trying to please an invisible audience — algorithms, trends, other photographers — we slowly move away from our own gaze, and from the images we truly want to make.
Maybe that’s why places like the Park have influenced me so deeply. They don’t reveal themselves at first glance. To photograph them, you have to look inward before you look outward. Finding the right frame means immersing yourself not only in the landscape, but also in your inner landscape. That ongoing dialogue between what’s inside and what’s outside is exactly what I seek every time I allow myself to get lost.
Today, with apps, maps, and social media constantly telling us where to go and what to see, getting lost can feel like a luxury from another era. Yet for those who love photographing nature and landscapes, getting lost is still essential. It’s a way to stay honest, to stop repeating what has already been done, and to open ourselves up to the unexpected — to those unplanned moments that truly spark inspiration.
There is a hidden freedom in wandering without fixed reference points, a kind of creative release that helps us see with fresh eyes. When you’re not chasing a pre‑packaged image, you start to notice details, angles, and places that usually remain invisible.
My recent trip through Kyrgyzstan and Kazakhstan was a perfect example of this. Unlike other journeys, this time I had no checklist of famous locations — and I didn’t want one. The whole trip was guided mainly by necessity and curiosity: car trouble forced me to change plans more than once, while on the map I simply picked out areas that looked interesting at a glance. That lack of a precise plan turned out to be a real gift: every detour led me to raw, untouched beauty — landscapes far away from the visual clichés that fill our screens. It confirmed something I’ve believed for a long time: the best photographs often aren’t deliberately sought out, they are encountered by chance.
In particular, during this last journey, not having a clear destination, or being unable to reach a high mountain pass because of issues with the car we had rented to move around freely, became an unexpected advantage. It allowed me to discover incredible subjects and viewpoints: rivers winding through the valleys, vast open plains, and towering mountains revealing themselves in ways no itinerary could ever have planned. These moments, born out of inconvenience and surprise, carried a purity and freshness that can’t be staged.
Painters, long before us, understood this dynamic very well. Artists like Monet or Pissarro often left the beaten paths behind to seek a more sincere, instinctive bond with the land, guided more by feeling than by a strict plan. And even earlier, the Romantic painters chased the sublime precisely in the unknown: they immersed themselves in wild nature to capture emotion, not just scenery. From them we learn that getting lost can be freeing, and even necessary, if we want our art to stay alive.
Today, though, we are surrounded — and bombarded — by images and stories that keep repeating the same visual language. To get lost, in the truest sense, means facing a blank page with no references, with no outline drawn by someone else before us.
The real question, however, is: are we still capable of doing that?
Can we face the unknown with the same openness as the great pioneers of analog photography, who had nothing but their senses, a camera, and the landscape in front of them? Or are we now more attracted to the comfort of approval — likes, reposts, and everything that comes from doing what an algorithm quietly rewards?
Letting go — truly getting lost — is an act of creative courage. Only then can we create images that are genuinely ours: authentic, fresh, and free from imitation.
Getting lost is not a mistake. It is the lifeblood that keeps our passion for nature and landscape photography alive. Because it is through that beautiful, uncomfortable, and necessary sense of disorientation that we can rediscover the world — and ourselves — with new eyes.
L’importanza di perdersi: perché perdersi è fondamentale nella fotografia di natura e paesaggio
Negli ultimi anni i miei viaggi mi hanno portato sempre più spesso in luoghi remoti e poco conosciuti — regioni selvagge e aspre come la Puna argentina, il Kazakistan e il Kyrgyzstan. In ognuno di questi viaggi andavo alla ricerca di qualcosa di molto preciso: luoghi con meno “ancoraggi” visivi, lontani da quei classici spot iconici di paesaggio che abbiamo visto tutti migliaia di volte. È diventata quasi una filosofia personale, una ricerca consapevole di autenticità.
Questo modo di vedere le cose è stato plasmato non solo dagli anni trascorsi lavorando vicino a casa, in zone prive di punti di vista “obbligati” come il Parco Nazionale delle Foreste Casentinesi, dove ho passato l’infanzia, ma anche da alcuni libri che mi hanno accompagnato nel tempo. Uno di questi è Il coraggio di non piacere, un libro che parla del vivere senza inseguire continuamente l’approvazione e le aspettative degli altri. Non aver bisogno del riconoscimento esterno è il primo vero passo verso l’autenticità — nella vita, ma anche in ciò che creiamo. A un certo punto ho capito che questo non riguarda solo il modo in cui viviamo, ma anche il modo in cui fotografiamo: se cerchiamo sempre di compiacere un pubblico invisibile — algoritmi, tendenze, altri fotografi — finiamo per allontanarci dal nostro sguardo, e dalle immagini che desideriamo davvero realizzare.
Forse è anche per questo che luoghi come il Parco mi hanno influenzato così profondamente. Non si lasciano capire al primo colpo d’occhio. Per fotografarli devi prima guardare dentro di te, e solo dopo verso l’esterno. Trovare l’inquadratura giusta significa immergersi non solo nel paesaggio, ma anche nel proprio paesaggio interiore. Questo dialogo continuo tra ciò che è dentro e ciò che è fuori è esattamente ciò che cerco ogni volta che mi permetto di perdermi.
Oggi, con app, mappe e social media che ci dicono costantemente dove andare e cosa vedere, perdersi può sembrare un lusso di un’altra epoca. Eppure, per chi ama fotografare la natura e il paesaggio, perdersi è ancora qualcosa di essenziale. È un modo per restare onesti, per smettere di ripetere ciò che è già stato fatto e per aprirsi all’imprevisto — a quei momenti non pianificati che fanno davvero scattare l’ispirazione.
C’è una libertà nascosta nel vagare senza punti di riferimento fissi, una sorta di liberazione creativa che ci aiuta a vedere con occhi nuovi. Quando non insegui un’immagine preconfezionata, inizi a notare dettagli, angoli e luoghi che di solito restano invisibili.
Il mio recente viaggio tra Kyrgyzstan e Kazakistan è stato un esempio perfetto di tutto questo. Diversamente da altri viaggi, questa volta non avevo una lista di località famose da raggiungere — e non la volevo. L’intero percorso è stato guidato soprattutto dalla necessità e dalla curiosità: i problemi all’auto mi hanno costretto a cambiare i piani più di una volta, mentre sulla mappa sceglievo semplicemente le aree che sembravano interessanti a colpo d’occhio. Quella mancanza di un piano preciso si è rivelata un vero dono: ogni deviazione mi ha portato verso una bellezza grezza, incontaminata — paesaggi lontani dai cliché visivi che riempiono i nostri schermi. Ha confermato qualcosa che credo da tempo: spesso le fotografie migliori non si cercano deliberatamente, si incontrano per caso.
In particolare, durante quest’ultimo viaggio, il fatto di non avere una destinazione chiara, o di non riuscire a raggiungere un passo di montagna in alta quota a causa dei problemi con l’auto che avevamo noleggiato per muoverci liberamente, si è trasformato in un vantaggio inatteso. Mi ha permesso di scoprire soggetti e punti di vista incredibili: fiumi che serpeggiavano tra le valli, pianure immense e montagne imponenti che si rivelavano davanti a me in modi che nessun itinerario avrebbe mai potuto prevedere. Momenti nati dal disagio e dalla sorpresa, ma con una purezza e una freschezza impossibili da costruire a tavolino.
I pittori, molto prima di noi, avevano compreso benissimo questa dinamica. Artisti come Monet o Pissarro abbandonavano spesso i sentieri più battuti per cercare un legame più sincero e istintivo con la terra, guidati più dal sentimento che da un progetto rigido. E ancora prima, i pittori romantici inseguivano il sublime proprio nell’ignoto: si immergevano nella natura selvaggia per catturare emozioni, non semplici scenari. Da loro impariamo che perdersi può essere liberatorio, e perfino necessario, se vogliamo che la nostra arte resti viva.
Oggi, invece, siamo circondati — e bombardati — da immagini e storie che ripetono di continuo lo stesso linguaggio visivo. Perdersi, nel senso più autentico, significa trovarsi davanti a una pagina bianca senza riferimenti, senza uno schema tracciato da qualcun altro prima di noi.
La vera domanda, però, è: siamo ancora capaci di farlo?Riusciamo ad affrontare l’ignoto con la stessa apertura dei grandi pionieri della fotografia analogica, che avevano soltanto i loro sensi, una macchina fotografica e il paesaggio di fronte?O siamo ormai più attratti dal conforto dell’approvazione — dai like, dai repost e da tutto ciò che deriva dal fare esattamente ciò che un algoritmo, silenziosamente, premia?
Lasciarsi andare — perdersi davvero — è un atto di coraggio creativo. Solo così possiamo creare immagini che siano davvero nostre: autentiche, fresche e libere dalle imitazioni.
Perdersi non è un errore. È la linfa vitale che mantiene viva la nostra passione per la fotografia di natura e paesaggio. Perché è proprio attraverso quello smarrimento bello, scomodo e necessario che possiamo riscoprire il mondo — e noi stessi — con occhi nuovi.
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